作为一本鉴赏国画的通俗读物，新出版的《国画的细节》一书与众不同之处，在于作者提出了一个观点、树立了一个标本。

作者马菁菁先后就读北京师范大学、香港中文大学中文系，师从齐白石与徐悲鸿共同的女弟子水墨名家郭梅苹先生，擅长鉴赏古代及近现代名家字画。她提出的观点是：“读懂中国山水画，也就读懂了中国艺术。”

我们知道，中国艺术门类庞杂，中国山水画在中国绘画历史中是三大门类之一，其余两门为人物、花鸟。为何中国艺术、中国画艺术以山水画为艺术精神？作者的解读是，人物、花鸟都太具象了，而山水无定形，最适合把自己融进去。一根小小的线条，在几千年中千变万化——变成山，变成树，变成水，万变不离其宗。从简单的勾线到皴擦，从皴擦到书法入画，每一代画家都在前人的基础上，创造出新的玩法，写上自己的名字。也因此，中国山水画一向被认为代表了中国艺术的精神。

而任何一本关于中国绘画史的书，都会把东晋大画家顾恺之的《洛神赋图》放在开篇的位置。这幅画代表着中国绘画独立于器物，作为一门独立艺术登上历史舞台最初的样子。画中的山水、树木、人物一直到今天，都是中国画常用的元素，只不过经过一代代画家的创造不停变化着，在每个朝代，都有自己的面貌，但追根究底，总会追溯到《洛神赋图》。在作者看来，顾恺之的《洛神赋图》可视为中国画的“标本”乃至“标准器”。简言之，《洛神赋图》蕴含着中国绘画的千年脉络。

《洛神赋图》是顾恺之根据曹植的《洛神赋》而画。后世也有很多大画家画过洛神，顾恺之版本是现存最早的版本，也为后人打了个样。《洛神赋图》是一幅长卷，观者用右手按着右边往里卷，左手展开画卷，一边卷一边展，一幅画卷好，这幅画就看完了。所看到的画面就是目之所及之处，特别像当今在手机上一屏一屏地观看。《洛神赋图》讲述的是一个贵公子幻想自己和仙女洛神相遇、定情、分别的故事，也分别展示了“相遇”“定情”“离别”三个场景，这很像电影里的转场，既有空间转换，又有时间转换，长卷很好地体现了这种时空感。

作者认为，《洛神赋图》中的山水和人物都代表着中国绘画最初的样子：无正常比例，人比山大。当时人们的世界观是人神论，神与帝王有连接，绘画是为了帝王，为了教化，所以景不重要，画中故事传达的信息最重要；绘画不是无用的，是带有强烈功能性和目的性的。基于这个背景，魏晋时代的山水在画中像舞台布景，只是起衬托作用。故而画中的山都是三角形，树也长得一样，它们不是主角。画的材质以丝绢为主，魏晋时代纸张还不普及，在丝绢上画的画称为绢本画，颜色以石青、石绿、朱砂这种矿物质颜料为主。

《洛神赋图》是判断中国画作年份的一道分水岭：魏晋南北朝无正常比例，无皴擦。到了隋唐，绘画在内容和技法上开始有了变化。内容上，从天上回到世俗，画家开始画人间生活，画历史现场。为了表现真实，技法随之增多，到了唐朝晚期，绘画逐渐走向成熟。

总之，本书以时间为线，立足“从魏晋到隋唐五代、宋元明清”的中国绘画史框架，从不同时代的国画大家和他们的代表作入手，梳理画家之间的传承谱系，点明布局风格、纸张、印章等鉴赏窍门，帮助读者对中国绘画及其精神有整体的理解和认知。